Photography vs. Painting

Die Arbeiten von Peter Vahlefeld basieren demonstrativ sichtbar auf drucktechnische Vorlagen der Massenkommunikation, die ihm als Malgrund dienen. Anzeigen des Kunstmarktes, Museumskataloge und Merchandising-Artikel der Museumshops werden zu Protagonisten der fotografischen Bildinszenierungen, deren Hauptthema, die Faktur der übermalten Vorlage ist. Pinselspuren und die Haptik der Farbe sind ihre Sujets. Peter Vahlefelds Fotografien zeigen eigentlich nichts als Farbe und gelegentliche Übrigbleibsel von typografischen Auszeichnungen wie Namen, Logos, Adressen oder Öffungszeiten, die auf den Bildgegenstand oder seiner Verwendung weisen und somit auf ihren Repräsentationsprozeß.

Er konzentriert sich in seinen Fotoarbeiten auf die institutionellen Rahmenbedingungen und deren Marktmechanismen, die die Bedeutungskonstitution von Kunst überhaupt erst ermöglichen. Wir betrachten Kunstwerke niemals nur isoliert in ihrer ästhetischen Evidenz, sondern immer in den spezifischen Zusammenhängen, in die sie eingebettet sind. Die Rezeption von Kunst läuft demnach nicht in neutralen Erfahrungsräumen ab, sondern ist in erster Linie durch institutionelle Kontexte bestimmt. Anzeigen, Museumskataloge, Merchandising lenken und beeinflussen die Bedeutungsproduktion sowie die Geschmacks- und Wertbildung von Kunst. Und genau dagegen scheint sich die Geste zu richten, mit denen uns der Maler, die kommerziellen Vorstellungen über die Verwendung von Bildern, um die Ohren haut. Vahlefelds re-fotografierte Übermalungen, eignen sich internationale Markennamen der Kultur-Industrie an, um sie ihrer Attraktivität der Bekanntheit zu enteignen, in dem er sie übermalt oder zugunsten einer vertärkten Tiefenwirkung durch Licht und Schatten auslöscht.

Ähnlich wie die Wiedererkennbarkeit des Dargestellten ungenau bleibt, hält Peter Vahlefeld auch die Zuordnung seiner Bilder entweder zur Fotografie oder zur Malerei in Schwebe. Insofern malerische Effekte mit den Mitteln der Fotografie nachempfunden werden, agiert er gegen den Erwartungshorizont des Betrachters. Denn das, was malerisch erscheint, ist technisch gesehen Fotografie, während umgekehrt das vermeintlich Fotografische faktisch Malerei war. Die klassischen Gattungsgrenzen werden bis zur Ununterscheidbarkeit unterwandert – d. h. sie verschwinden nicht, werden ihrer Bedeutung jedoch entledigt. In diesem Sinne sind Malerei und Fotografie für ihn keine divergierenden Disziplinen mehr, sondern zeigen beide das Erscheinungsbild von etwas, das sie selbst nicht sind – die Malerei und das fotografische Bild davon, als Reproduktion einer durch Medien reproduzierten Wirklichkeit.


Cultures construct their own myths, and one of ours has been the idea of a »high culture« distinct from, and ruling over, the commonplace experience of everyday life. Today, however, all experience is equally available to the realm of art, and art itself is simply an extension of the information and entertainment industry. Suggesting, that all art is somehow copied from other art - or that our individual identities are copied from stereotypical models provided by culture - photographs are essential to making the point: they are signs of both mass reproduction and mass culture. But photographs also have a paradoxical relationship to art. Because they seem so mechanical in origin and transparent in their description, they challenge artists to find ways to undercut their superficial neutrality and to trespass their seemingly inviolate surface.

Peter Vahlefelds´ photographic work has the surf-like sweep of big Abstract-Expressionist canvases by the likes of Wilhelm de Kooning and Robert Rauschenberg, and challenge the idea about what a photograph could be. Working in a palette of exuberant colours, the artist overpaints iconic popular images. The artworks no longer recognisable blend with the institutional self-portrayal of museums, galleries and auction houses through the logo, typography and corporate identity displayed on the pages he had painted over. Looking at the large prints, the spectator witnesses the reverse transfiguration of the most commonplace. Here advertisements and advertising posters, reducing works of art to the ordinary, are blown up roughly tenfold as the subject of the pictures. Mass produced images supporting the popular trivialisation and selling out of masterworks become the very protagonists of his photographic creations. They are fresh, ambitious, unashamed of their own beauty, and unapologetically related to proposing the painting as an object for sale.

In fact what stops a reading of Vahlefelds´ photographs as just another piece of readily consumable visual information is the gesture with which they present themselves. There is something particular about this gesture which signals that something is withheld even though everything is shown. Everything is exposed to view and at the same time hidden under layers of paint and enhanced by the dramatic play of light and shadow. Its not a game of »show and tell« with which photography conventionally presents itself, but of »hide and seek«. As Douglas Crimp explained, »we are not in search of sources or origins, but of structures of signification: underneath each picture is always another picture«. Images, according to this logic, are never innocent, self-contained entities, but rather links in a chain of meaning that reverberate culturally, socially, and poltically to mediate our own experiences and desires. Peter Vahlefelds goal is to determine whether the very mechanisms of representation could be critiqued, dismantled, or transformed.